Войти в мой кабинет
Регистрация
ГОТОВЫЕ РАБОТЫ / ДИПЛОМНАЯ РАБОТА, ИСКУССТВО

Искусство пантомимы на эстраде.

irina_k200 1325 руб. КУПИТЬ ЭТУ РАБОТУ
Страниц: 53 Заказ написания работы может стоить дешевле
Оригинальность: неизвестно После покупки вы можете повысить уникальность этой работы до 80-100% с помощью сервиса
Размещено: 14.09.2020
Цель исследования: методическое обеспечение воплощения искусственного образа пантомимы на эстрады. Объект исследования: процесс воплощения пантомимы и эстрады. Предмет исследований: пантомима в эстраде. Задачи исследования: 1. Дать определение понятию «пантомима» и рассмотреть способы его воплощения посредством сценографии эстрады; 2. Выявить структуру и содержание сценографии эстрады; 3. Разработать условия внедрения и методологическое обеспечение пантомимы в эстрадный жанр; Методы исследования: -теоретические методы (изучение, анализ, сравнение, синтез психологической, музыкально-педагогической, искусствоведческой, методической литературы). Структура работы: Содержание, введение, 2 главы, заключение и список литературы.
Введение

Древнее искусство пантомимы - искусство говорить о многом, не произнося ни слова, -переживает в наши дни свою вторую молодость Все больше и больше возникает у нас самодеятельных студий и коллективов пантомимы. В разные времена и эпохи пантомима являлась самым неординарным и загадочным театрально-эстрадным действом. Многие ученые расходятся во мнениях, где она зародилась. Одни говорят, что в древней Греции, другие утверждают, что в древнем Египте, третьи – в древнем Риме. Но на одном факте все они сходятся. А именно, что в какой бы стране это ни произошло, пантомима появилась благодаря языческим обрядам. Ведь в доисторические времена основным всемирным языком являлось тело (движение) и лицо (мимика). Взамен четкой речи развивался жест: сигналы, используемые на охоте для тихого сближения с животным; при надвигающейся опасности, и массы других. Любой контакт между людьми был выразителен и краток. Но и воспринималась пантомима в те времена иначе, т. к. обладала иными функциями и имела форму отличную от сегодняшней. В настоящее время человек так же использует для общения некоторые жесты. Например, первое, что приходит на ум при положительной реакции «Да» – это покачать головой вверх-вниз. Но сегодня это происходит бессознательно, на уровне рефлекса, а не умышленно, как тогда. Истоки пантомимы восходят к языческим религиозным ритуалам. Вернемся к доисторическим временам. Самый простой пример доисторической пантомимы - жертвоприношение. Для взывания к богам, люди использовали ритуальные жесты. Конечно, многие захотят поспорить, что это был танец. Но эти два направления идут параллельно, и разделять их глупо и неуместно, тем более на таком раннем периоде существования. Ведь можно говорить о том, что всегда находился один член племени, который организовывал других. Такие личности назывались друидами (греческое наименование дуба — «drus», «wid», приравниваемого к глаголу «знать»). В то время как танцоры накапливали энергию, друид должен был перенаправлять её божеству, которому преподносилась жертва. Отсюда видно, что эти два течения переплетаются и развиваются, поддерживая друг друга и образуя тем самым первоначальный вид пантомимы. Однако не стоит забывать, что, в конце концов, эти направления станут самостоятельными и независимыми видами искусств. Пантомима, непосредственно как вид театра, появилась в Римской империи в эпоху Августа (27-14 гг. до н.э.). Но давайте рассмотрим другие исторически доказанные теории.
Содержание

Введение 3 Глава 1. Связь эстрады и искусство пантомимы 5 1.1 Эстрада многожанровое сценическое искусство 5 1.2 Эстрадные жанры 8 1.3 Особенности пантомимы 21 1.4Пантомима в мире эстрады 24 Вывод по первой главе: 29 Глава 2. Основные свойства пантомимы в жанре эстрады 32 2.1 Пантомима и специфика актерского мастерства 32 2.2 Пантомима как эстрадный жанр 36 Заключение 50 Список литературы 53
Список литературы

1. А.Я.Ваганова "Основы классического танца", 2010. 2. Богданов И. Русская классическая сатирическая литература на современной эстраде //Тезисы докладов. СПб., 2010. - Доклад. 1 пл. 2. Богданов И. Речевые жанры эстрады сегодня // Теория и практика сценической речи. Коллективная монография. Отв. ред. докт. иск, проф. В.Галендеев. СПб., 2015. - Статья. 1. п.л. 3. Бахтин М.М. Проблема речевых жанров. - В кн.: Бахтин М.М. Эстетика словесного творчества. М., 2009. 4. Бермонт Е. Конкурс эстрады. //Театр. 2010, №2, с.75-78 5. Бирженюк Г.М., Бузене Л.В., Горбунова Н.А. Кобэр. Гвоздь программы: Пер. с нем. Л., 2018. С. 232-233; 6. Бермонт Е. Конкурс эстрады. //Театр. 2014, №2, с.75-78. 7. Винокур Т.Г. Стилистическое развитие современной русской разговорной речи. - В кн.: Развитие функциональных стилей современного русского языка. М., 2018. 8. Винокур Т.Г. Говорящий и слушающий: варианты речевого поведения. М., 2013 9. Вежбицкая Анна. Речевые жанры. - В кн.: Жанры речи. Саратов, 2014. 10. Горчаков Н. М. Режиссерские уроки К. С. Станиславского. – М., 2012. 11. Кобэр. Гвоздь программы: Пер. с нем. Л., 2018. С. 232-233; Станишевский Ю. Номер и культура его подачи // СЭЦ. 2015. № 6. 12. Конников А. Мир эстрады. М., 2014. 13. Клитин С.С. Эстрада. Проблемы теории, истории и методики. Л.,2017. 14. Ожегов С. И. и Шведова Н. Ю. Толковый словарь русского языка: 80000 слов и фразеологических выражений Розовский М. Режиссер зрелища. М., 2003. 15. Русская советская эстрада // Очерки истории. Отв. ред. докт. иск., проф. Е.Уварова. В 3-х Т. М., 2016, 2017,1981. 16. Русская советская эстрада // Очерки истории. Отв. ред. докт. иск., проф. Е.Уварова. В 3-х Т. М., 2017. 17. Смирнов-Сокольский Н. Эстрада перед конкурсом. //Советское искусство. 2009, 24 сентября. 18. Станишевский Ю. Номер и культура его подачи // СЭЦ. 1965. № 6. Конников А. Мир эстрады. М., 2019 с.80. 19. Смирнов-Сокольский Н. Эстрада перед конкурсом. //Советское искусство. 1939, 24 сентября. 20. Станиславский К. С. Собр. соч.: В 9 т. – М., 2016 21. Уварова Е. Эстрадный театр: Миниатюры, обозрения, мюзик-холлы (1917-1945). М., 1983; Аркадий Райкин. М., 2016.; 22. Шароев И. Режиссура эстрады и массовых представлений. М., 2016; Многоликая эстрада. М.,2015.
Отрывок из работы

Глава 1. Связь эстрады и искусство пантомимы 1.1 Эстрада многожанровое сценическое искусство ЭСТРАДА (фр. Estrade - помост, возвышение), Специальная (постоянная или временная), приподнятая над землей (или с рядами кресел на земле) сценическая площадка для концертных выступлений артистов. 2) Синтетическая форма сценического искусства. Содержит т.н. малые формы драмы, комедия и вокал, музыка, хореография, цирк и другие. В концертах отдельные законченные номера полифонического, красочного дивертисмента объединяются артистами или несложным действием (обзор). Короткая продолжительность действия популярности требует высокого уровня выражения. Отсюда яркость, преувеличение деталей, мгновенная трансформация актера. Подробное психологическое описание противопоказано в поп-музыке. Это не препятствует действующему перевоплощению, но достигается различными способами: преувеличением, гротеском, идиотом, эксцентричностью. Эстрада обращается к метафорическим чертам и деталям, странному переплетению правдивости и карикатуры, реальной и фантастической, помогающей создать атмосферу отказа от ее жизненных прототипов, которая противодействует ее богатству в реальности. Современная сцена работает с такими элементами комедии, как маска, жест, выразительная пластика, быстрое развитие действия, интрига. Для Эстрады характерна актуальность - сочетание лучших примеров развлечений с серьезным контентом и образовательными функциями, когда веселье дополняется разнообразными эмоциональными палитрами и иногда социально-политическим буржуазным пафосом. Будучи одной из наиболее движущихся форм искусства, сцена также более восприимчива к другим формам штамповки, что снижает художественную и эстетическую ценность талантливых находок и превращает их в китч. Эстрада приобретает не только размах и распространение, но и психологическую глубину (с помощью крупных планов, других средств выражения экранного искусства) и оживленных развлечений. (Мюзик-холл, эстрада, кабаре, шоу, театр миниатюр). Виды эстрадного искусства: Все разнообразие форм в целом можно свести к трем группам: концертное (дивертисментное) разнообразие, объединяющее все виды выступлений в эстрадных концертах; театральная сцена в виде камерных спектаклей миниатюрных театров (театры кабаре, кафе-театры) или, наоборот, в масштабных концертных ревизиях, которые демонстрируются в музыкальных залах с многочисленным исполнительским составом и первоклассным сценическим оборудованием; праздничная сцена, отождествляемая с народными гуляниями и праздниками на открытом воздухе, в том числе на стадионах, а также с балами, маскарадами, карнавалами, проводящимися в помещении (дома и дворцы культуры, кафе, рестораны и т. д.) Другим источником Эстрады стали Дивертисменты — концерты после основного оперно-балетного или драматического спектакля, в которых исполнялись арии из опер, отрывки из балетов, народные песни и танцы. С середины 19 в. в дивертисментах участвовали музыканты-солисты, рассказчики, исполнители куплетов, позже арий и дуэтов из оперетт. Искусство Эстрады развивалось и в Мюзик-холлах, которые выросли из народных таверн (особенно распространённых в Англии). Для привлечения посетителей туда приглашались оркестры, хоры, артисты. Исполнялись злободневные куплеты, бытовые танцы, песни улицы. Первые мюзик-холлы были созданы в Лондоне в середине 19 в. В Кабаре-кафе, где собирались артисты, художники и др., на импровизированной эстраде выступали поэты, актёры. Здесь впервые появился Конферансье. Из кабаре, организованного артистами МХТ, вырос, например, один из первых в России театров миниатюр — «Летучая мышь» (1908). В начале 20-го века искусство Эстрада было обогащено джазовой музыкой (см. Джаз). Прогрессировали многие музыкальные группы: джазовые оркестры под управлением Б. Гудмана, Л. Армстронга, Дьюка Эллингтона (США). Позже вокальные и инструментальные группы распространились, сочетая народные песни с современными ритмами. Журналистская, буржуазная, прежде всего антимилитаристская песня приобрела популярность: Э. Буш (Германия, позднее ГДР), П. Робсон, Д. Рид (США) и другие. Знаменитыми поп-певцами стали: Дж. Беккер, Э. Пиаф, М. Шевалье, Дж. Брел (Франция), Х. Белафонте, Э. Фицджеральд и др. (США), П. Сигер, Р. Лоретти (Италия); Эксцентрики Грок, Дмитрий (Швейцария); Пантомимист М. Марсо (Франция). В эстрадном танце стали использоваться современные ритмы, акробатические трюки, достижения повседневного танца. Утверждены новые формы эстрадной хореографии: сценический, лаунжный и ритмичный танец в акробатической группе «Девушки». Особое место занял спектакль «Балет на льду». Сатирические произведения разных жанров, направленные против буржуазного образа жизни, распространяются в театрах и коллективах рабочих и студентов во главе с прогрессивными организациями. С первых дней советской власти в России ведущие художники отдавали свое искусство победителям; они выступали на фронтах гражданской войны с 1918 по 1920 год, в рабочих клубах, в деревнях. На сцене звучали журналистские монологи, куплеты, сатирические сюжеты, заметные произведения советских классиков и писателей. В 1919 году Театр революционной сатиры (Теревсат) был создан в Витебске, в 1920 году - в Москве, Петрограде, Томске, Баку, Киеве и других городах. Теревсац, объединяющий художников разных жанров, ставит современные революционные произведения. Эту традицию продолжила голубая блузка (см. Синюю блузку). Открытые на протяжении многих лет миниатюрные театры (Ленинградский под руководством А. И. Райкина, Москва, саратовские «Микро» и др.) Постоянно превращаются и обращаются к современным произведениям. Идеология и политические устремления утвердились в борьбе с буржуазной идеологией, пошлостью, основным искусством - наследием дореволюционного прошлого. Советская эстрада нашла свой путь в сближении с революционной реальностью, в контроле коммунистической партизанства. Теперь Эстрада в СССР стала одним из самых популярных искусств.Песня широко использовалась в Эстраде - русских и других народов СССР, повседневная, публицистическая и лирическая, в исполнении ансамблей и отдельных певцов. Не менее популярны танцы - фолк, быт, акробатика, эксцентризм и т. Д. Широко распространены различные оркестры, вокально-инструментальные ансамбли и сольные музыканты. На вершине находятся художники, которые обращаются к текущему журналистскому и сатирическому репертуару - артисты, художники, художественные страницы, юмористические истории, кукольные спектакли. Всенародное признание получили: певцы — Л. А. Русланова, К. И. Шульженко, Л. Г. Зыкина, М. И. Бернес, М. М. Магомаев; артисты сатирических жанров — В. Я. Хенкин, Н. П. Смирнов-Сокольский, А. И. Райкин, Л. Б. Миров и М. В. Новицкий, М. В. Миронова и А. С. Менакер, Ю. Т. Тимошенко и Е. И. Березин, Государственный эстрадный оркестр под руководством Л. О. Утесова и многие др. В Москве и Ленинграде имеются стационарные эстрадные театры.Музыкальные залы работают в Москве, Ленинграде, Киеве, Ташкенте. На льду московские, ленинградские и украинские балеты. Эстрада добилась значительного развития в других социалистических странах. Самый большой поп-театр в Европе, Фридрихштадт-Палас, и театр сатирических миниатюр Distle работают в столице Германской Демократической Республики Берлин.в Чехословакии - пантомима в театре Забрадли под руководством Л. Фиалки, театральная достопримечательность «Латернаямагика»; В Польше есть несколько миниатюрных театров. Многие талантливые артисты разных жанров работают в Венгрии, Болгарии, Румынии, Монголии и Югославии. 1.2 Эстрадные жанры Когда мы говорим о необходимости того, чтобы режиссер знал поп-жанры, мы имеем в виду, прежде всего, те важные особенности, которые влияют на содержание режиссерской работы с исполнителем на количество конкретного жанра. Установить все разновидности поп-жанров практически невозможно. Прежде всего потому, что сами художники постоянно вносят что-то свое, отказываясь от предыдущего. А также потому, что живое искусство часто нарушает границы жанров, и на сегодняшний день, даже больше, чем в прошлые времена, характерен синтез поп-жанров. Например, сегодня пантомима и клоунада органично сочетаются со словом и пением, а цирковые представления с ледовыми шоу. Арсенал жанров, используемых поп-музыкой, столь же широк и разнообразен, как и мир сценического искусства. Тем не менее, обилие жанров, используемых поп-музыкой, обычно делится на четыре группы: • разговорный: конферанс, интермедии, художественное слово, эстрадные монологи, мелодекламации, куплеты, пародии; • музыкальный: песня (в разных ее модификациях — народная, эстрадная, бардовская), городской и цыганский романсы, баллады, оркестровые номера, инструментальные миниатюры и т. д.; • хореографический: танец (народный, характерный, эстрадный, степ и др.), пантомима; • оригинальный: жонглирование, звукоподражание, фокусы, куклы, акробатика, другие цирковые и спортивные номера. Остановимся подробно на разговорных и музыкальных жанрах, чтобы в какой-то мере раскрыть их отличия, без учета которых невозможна профессиональная работа режиссера. Разговорные жанры Разговорные жанры включают те разновидности малых форм, в которых основным материалом и формой выражения темы и идеи является слово. Слово, организованное в драматической форме, может быть украшено различными элементами зрелища (в сочетании с музыкой, хореографией или видео). Художник должен раскрыть смысл, тему, идею, содержание текста, имея в своем распоряжении единственное средство - звучащее слово. Мы обязаны привнести в жизнь исполняемого номера тембр голоса художника, его интонацию, ритм речи, мимику, жест и т. Д. Разговорные артисты особенно любят зрителей. Рассмотрим некоторые подвиды разговорного жанра с точки зрения современной режиссуры. Конференция - редкое искусство, не имеющее аналогов в других видах сценического искусства. Это пришло к нам из театрального стенда (ларцы для спектакля были связующим звеном между сценой и зрителями). Природа этого жанра — разговор со зрителем. Согласно «Театральной энциклопедии», конферансье — это «артист эстрады, объявляющий номера и выступающий перед публикой в промежутках между ними. <...> Поведение конферансье на сцене и тексты его реплик носят обычно комедийный характер. Артист комментирует отдельные вопросы, присоединяется к поп-программе, старается придать ей текущий характер. " Казалось бы, в этой короткой цитате все сказано о конферансье, но многое упущено для режиссера. Задача артиста - не только рассказать публике, с кем он разговаривает и с чем (это также можно сделать по радио за кулисами). В объявлениях артиста есть еще одна цель: подготовить зрителей к определенному номеру, объединить сцену и зал, создать непринужденную атмосферу, атмосферу общения и доверия. В поисках способа проведения концерта для режиссера выбор артиста чрезвычайно важен. Настоящий успех для артиста наступает, когда найденное восстановление с точностью затрагивает проблемы, которые волнуют аудиторию, вызывая реакцию в зале. Режиссер часто использует артиста для объединения различных элементов программы, превращая ее в целое шоу взаимосвязанных разновидностей. Артист часто пытается замаскировать слабые стороны программы, выделить сильные и, влияя на аудиторию, создать неожиданные ассоциации, что приводит к более благоприятному восприятию аудитории. Не случайно многие известные артисты с высокими навыками были также режиссерами (А.Г. Алексеев, Б.С. Брунов, О.А. Милявский). Важнейшим элементом профессиональных навыков артиста является импровизация. Одним из самых ярких современных представителей этой профессии можно назвать Ивана Урганта, Николая Фоменко, Максима Галкина, Лолиту Милявскую и Александра Цекало. В отличие от драматического или оперного артиста, который играет роль или роль, написанную драматургом, композитором или сценаристом, артист обычно создает свою роль. И на каждом концерте - снова.«Составлять» не значит: он пишет на бумаге. Скорее, это импровизация на тему самодельной работы. В тех случаях, когда артист «не владеет ручкой», он по-прежнему является автором своей роли, изложенной только профессиональным писателем, который знает исполнительские способности этого артиста. Несмотря на все, что говорит артист, публика воспринимает его как мысли и слова, рожденные здесь и сейчас. Эта особенность является одной из самых важных задач режиссера при работе с актером. Тот факт, что сценический образ артиста определяется главным образом физическими данными художника, его внешним видом, является отправной точкой для режиссера. К примеру: Алексей Алексеев, всегда выходивший на сцену во фраке, крахмальной манишке, с моноклем, воспринимался зрителями как петербургский сноб. До конца своих дней (последний раз он вышел на сцену Театра сада «Эрмитаж» в Москве летом 1976 года) он выходил в строгом фрачном костюме. Его отличало холодное, сдержанное, язвительное остроумие, рассчитанное не столько на безудержный смех, сколько на улыбку. Образ «человека во фраке с моноклем» исходил из его внутренних и внешних данных, его обладания вкусом, тактом, его прирожденной интеллигентности (Алексеев окончил юридический факультет Университета, владел несколькими иностранными языками). С конца 20-х годов, а особенно во время Великой Отечественной войны и в послевоенные годы, не менее популярным был Михаил Гаркави. Артист, обладавший острым чувством «эстрадности», никогда не пользовался заранее написанным текстом, легко вступал в шутливый разговор с публикой, блестяще импровизировал, отличался удивительной находчивостью. Наделенный от природы довольно грузной фигурой, М. Гаркави выбегал па сцепу, широко раскинув руки, словно желая обнять всех сидящих в зале. С его лица не сходила добродушная улыбка, а удивительная подвижноегь, легкость и пластичность сочетались с умением по ходу конферанса исполнить песенку, куплеты, став партнером исполнителя. Среди наиболее ярких конферансье XX века можно выделить Льва Шимелова и ушедшего из жизни Бориса Брунова. Образы, в которых выступают конферансье, так же разнообразны, как человеческие характеры и индивидуальности. Вспомним знаменитого Конферансье из спектакля Сергея Образцова «Необыкновенный концерт». Но это уже другой жанр — пародия, на котором мы ниже остановимся подробнее. Во второй половине 1920-х годов были созданы музыкальные залы в Москве, Ленинграде, Горьком, Ростове-на-Дону, Таганроге и других городах. Наличие стационарных театров с хорошо оборудованными сценами способствовало росту мастерства художников, улучшению их числа. На их сценах были первоклассные эстрадные программы с участием советских и зарубежных артистов. Интерес к музыкальным залам был подкреплен футуристическими итальянскими манифестами, опубликованными в России в 1914 году: «Мюзик-холл - это школа героизма, которая создает на сцене сильную и здоровую атмосферу со своими трудностями, которые должны Мюзик-холл - это школа проницательности и смятения благодаря своим «клоунам, музыкальным фокусникам, президентам, ясновидящим, подражателям или пародистам и их причудливым американцам».Самым креативным был Московский мюзик-холл. Основанный в 1926 году Московский мюзик-холл был создан в 1930-х годах как интересный эстрадный театр, репертуар которого включал в себя не только сборные программы, но и спектакли, объединенные темой и сюжетом в исполнении постоянной труппы. Когда в 1925 году было принято решение о создании Мюзик-холла в Москве, начались конфликты: каким должен быть советский мюзик-холл? Они решили, что это будет театр, на сцене которого выступят артисты эстрады и цирка, советские и зарубежные. И в программе должен быть номер поезда (аттракцион). Открытие первого сезона состоялось в реконструированном здании 2-го Государственного цирка в начале 1926 года.(До весны 1925г. в Москве существовало два цирка: 1-й - на Цветном бульваре и 2-й - на большой Садовой улице (сейчас это здание перестроено и в нем играет театр Сатиры) Положение цуг-номера в первой программе занял немецкий гипнотизер То-Рама.Остальная часть программы состояла из советских эстрадных и цирковых номеров среднего качества. Были показаны хореографические исследования студии И. Чернецкой и фильма с участием американского комика Монти Бэнкса «Полицейская карьера Монти». Следующие представления (режиссер Н.Фореггер) основаны на одном и том же принципе: несколько сильных советских и зарубежных цирковых номеров, артисты, обозреватели, рассказчики или куплеты, один или два танцевальных номера, один певец. Цирковые номера были выбраны для концертного зала, чтобы их можно было показывать на сцене. Номера, в которых были театральные, были предпочтительными. Такими номерами были в основном иностранцы.Ряд немецких акробатов Spiras (1927) назывался «Вестник № 17». Немецкие музыкальные чудаки A B C - три девушки играли музыкальные апельсины и плюшевых мишек. «Балет на льду» от чешской компании Klamek. Берлинский театр кукол Тейблер. Испанские клоуны из Барасета. Берет советских акробатов. Французские канатоходцы Гилберт и Грановиль. Немецкие велосипедисты маленькие. Дрессировщик: Данкова с собаками, Капитан Гулинг с морским львом, Капитан Вэл с крокодилами. Превращение программы концертного зала в цирк вызвало критику. И не только это. Почему в основном только иностранцы? Почему бы не попытаться объединить цифры с действием, хотя бы просто, например, чтобы написать обзор на советскую тему? Работа мюзик-холла была перестроена под влиянием критики.Стали приглашать переводчиков мыльных опер, стихов, песен, тематических зарисовок: Н. Смирнов-Сокольский, В. Хенкин, Г. Афонин, А. Громов и Малич, В. Глебова и М. Дарская. В 1927 году члены балалайки, насчитывающей около ста человек, посетили музыкальный зал. Певица: Изабелла Юрьева, Вария Панина и другие, блестящийчечеточник В. Зернова. Галеизовскаянехореографическая пантомима. Композитор и дирижер Д. Покрасс, моль художника А. Гриль. Также были проведены цирковые представления: волшебник Кефало, жонглеры на четырех и восьмиметровых велосипедах под руководством Нарова (позже они играли в футбол на велосипеде под псевдонимом Брутоны). Но все еще смущен чрезмерным уклоном цирка. А.В. Луначарский призвал к театрализации в мюзик-холле идеологии ближневосточной власти. В середине 1928 года основное искусство предложило преобразовать Московский мюзик-холл в показательный поп-театр, который в основном ставит спектакли.Д. Гутман был назначен директором. Было решено создать театральную труппу с переменным составом. Среди выпускников хореографического факультета Колледжа А.В. Луначарский создал балетную группу под рукой. К. Голейзовский. Новый директор мюзик-холла А. Юрьев стал его художественным руководителем. 5 октября 1928 года музыкальный зал начал сезон с откровения «Чудеса 20-го века». Главную роль - Носитель - сыграл Г. Ярон (авторы В. Типо и Д. Гутман, режиссер Д. Гутман, художник М. Беспалов, хореограф К. Голейзовский). Если основа поп-музыки - законченное число, тогда рецензия, как и любое драматическое действие, требовала представления истории всем событиям на сцене. Как правило, оно не было органично объединено и приводило к ослаблению одного из элементов перформанса: цифр, персонажей или сюжета.Это произошло во время производства «Чудес двадцатого века» - спектакль разбился на несколько независимых, слабо связанных эпизодов. Успех зрителей был только балетный ансамбль и несколько первоклассных эстрадных цирковых номеров. Балетный ансамбль под управлением Голейзовского исполняли три номера: «Эй, давай уйдем!», «Москва под дождем» и «30 английских девушек». Особенно эффектным было выступление «Змеи». Среди цирковых представлений лучшими были: Тея Альба и австралийские дровосеки Джексон и Лорер. Альба одновременно написала мелом разные слова на двух досках правой и левой руками. Дровосеки рубят два толстых бревна в конце номера гонки. Отличное равновесное число на проводе показал немецкийStrody. Он совершил сальто на проводе. Из советских художников, как всегда, Смирнов-Сокольский и Песни В. Глебова и М. Дарская были очень успешными. Среди цирковых номеров число Зои и Марты Кох выделялось на двух параллельных проводах. В сентябре 1928 года в Ленинградском мюзик-холле был открыт спектакль «Чудеса XXI века» с Орловым в главной роли. Тогда музыкальные комнаты в Москве и Ленинграде в основном обменивались программами. Обзоры включали обзоры привлекательных обзоров, таких как «Репортаж за сто минут» (режиссеры Д. Гутман и директор цирка А. Данкман), «Там, где лед» (авторы С. Воскресенский и В. Типот, режиссер Д. Гутман, художники В. и Г. Стенберг, музыка И. Дунаевского), «Упал с небес» (режиссер А. Феон, художник В. Чходасевич), «Букет моей бабушки» Н. Смирнов-Сокольский, Д. Гутман, режиссеры Д. Гутман, Н. Акимов и К. Голейзовский, художник Н. Акимов). МИНИАТЮРНЫЙ ТЕАТР - театральная группа, занимающаяся в основном малыми формами: малые пьесы, сцены, зарисовки, оперы, оперетты с эстрадными номерами (монологи, куплеты, пародии, танцы, песни).В репертуаре Т. М. преобладают юмор, сатира, ирония, и тексты не исключены. Труппа небольшая, театр одного актера, возможно два актера. Сжатые по дизайну спектакли рассчитаны на сравнительно небольшую аудиторию, они представляют собой своеобразный мозаичный холст. Термин Т. М. был введен А. Кугелем в 1908 г. и широко использовался в России. Непосредственным предшественником является западноевропейское кабаре. Оригинальность русской жизни, по словам Кугеля, не позволяла копировать западные образцы. Т.М. Термин быстро стал модным и распространился по всей стране, конкурируя с молодым кинематографом. Уже в 1912 году в Москве и Санкт-Петербурге насчитывалось 240 т. М., Которые давали два-три спектакля каждый вечер. Среди самых известных это «Литейный завод», «Интим»; «Троица», «Б-ба-бо» в Петербурге, «Мамоновский», театр им. М. Ртищева, Никольский, «Петровский» в Москве, работавший в 10-х гг. После Октябрьской революции, несмотря на эмиграцию ряда авторов, актеров, режиссеров и целых коллективов, около 60 т. М. (1917–1922) продолжали работать в Петрограде, главным образом случайно, на скорую руку собравшимися войсками. Та же ситуация в Москве. С появлением НЭПа традиционные Т.М .: за короткое время ожили: в Москве, Кривом Джимми, Дворце, в Петрограде - ТДВ (театр для всех), бесплатно и т. Д. Однако театральная политика все больше концентрировалась на «большой» Формы психологии театра в монументальном стиле. Продолжающиеся дебаты о сатире, «пределах критики», фактически привели к отказу от сатиры. В такой среде возможности Т. М. были исчерпаны в начале 1930-х годов. Они почти исчезли с театральной карты страны. В 1938 была предпринята попытка реанимировать форму, создаются Моск. (1938), вслед за ним Ленингр. (1939) театры эстрады и миниатюр. В годы войны успешно работали фронтовые театры: "Ястребок", "Веселый десант", "Огонек" и др. Новые трудности возникли в послевоенный период. После закрытия Моск. театра (1946) Ленингр. театр под рук. А. Райкина остался единственным профессиональным Т. М. После 1985 года из государства выехали известные сатирические художники, такие как Е. Петросян, Г. Хазанов, В. Винокур, Е. Шифрин и К. Новикова. Концертные организации и создания собственных миниатюрных театров, в основном, в качестве единоличных театров. Молодежные группы «Св. Петербург. Т. М. »,« Четвертая стена »,«Бафф »и другие (в Санкт-Петербурге), новая« Летучая мышь »в Москве,« Железная компания »в Перми, родившийся в« Пародийном театре »в Самаре и другие. Однако степень, которую Т. М. получил в дореволюционное десятилетие, не повторилась. Материал был крайне фрагментарным. Разговорные жанры на сцене - символ для жанров, которые в основном связаны со словом: конферансье, шоу стороны, эскиз, эскиз, рассказ, монолог, тематический раздел, микроминиатюра (постановочный анекдот), буриме. Разговорные музыкальные жанры включают в себя куплет, песню, шансонетку и раздел музыкальных функций. Распространенная на сцене пародия может быть «разговорной», вокальной, музыкальной, танцевальной. В свое время к речевым жанрам примыкали декламации, мелодекламации, литмонтажи и «художественное чтение». Невозможно дать точно фиксированный список речевых жанров: неожиданный синтез слова с музыкой, танцем, оригинальными жанрами (трансформация, вентрология и т. д.) Порождает новые жанровые образования. Живая практика постоянно доставляет всевозможные разновидности; Неслучайно на старых постерах было принято добавлять «в своем жанре» имя актера. Каждый из перечисленных речевых жанров имеет свои особенности, свою историю, структуру.Развитие общества и социальные условия продиктовали выход на вершину того или иного жанра. На самом деле жанр «поп» можно рассматривать только как артиста, рожденного в кабаре. Остальное пришло со стенда, театра, юмористических и сатирических журналов. Языковые жанры, которые, в отличие от других, стремятся овладеть зарубежными инновациями, развиваются в соответствии с местными традициями, в тесной связи с театром, с юмористической литературой. Не случайно Аверченко, Теффи, Бухов, Потемкин, Саша Черный и другие стали самыми популярными авторами миниатюрных театров в 10-х годах.
Не смогли найти подходящую работу?
Вы можете заказать учебную работу от 100 рублей у наших авторов.
Оформите заказ и авторы начнут откликаться уже через 5 мин!
Служба поддержки сервиса
+7(499)346-70-08
Принимаем к оплате
Способы оплаты
© «Препод24»

Все права защищены

Разработка движка сайта

/slider/1.jpg /slider/2.jpg /slider/3.jpg /slider/4.jpg /slider/5.jpg